Ambient

La musique Ambient

 L'ambient est un genre de musique électronique, dont les limites sont difficiles à définir. L'ambient évoque une qualité « atmosphérique », « visuelle » ou « discrète ». Un pionnier du genre, Brian Eno, explique que « la musique ambient doit être capable d'accommoder tous les niveaux d'intérêt sans forcer l'auditeur à écouter ; elle doit être discrète et intéressante. »

Le terme reste cependant profondément ancré dans le contexte de la musique planante des années 1970 qui ne correspond pas forcément à la notion d'ambient, puisque pas forcément électronique et pas forcément purement instrumental : Tangerine Dream, Klaus Schulze, Ash Ra Tempel, Heldon, Brian Eno, Harold Budd, Pink Floyd, mais aussi de la musique minimaliste (Steve Reich et Philip Glass notamment, voire Erik Satie). L'ambient revient à la fin des années 1980 grâce au développement des genres house et techno. Finalement, l'ambient devient un phénomène de mode dans les années 1990. Au début des années 1990, des musiciens tels que Aphex Twin sont catégorisés ambient house, ambient techno, IDM ou « ambient » par la presse spécialisée. Les genres dérivés incluent dark ambient (ou ambient industrial), ambient house, ambient dub, psybient et ambient trance.

Développée dans les années 1970, la musique ambient découle des styles expérimentaux et faisant usage de synthétiseurs de l'époque. Bien que les groupes allemands Popol Vuh et Tangerine Dream l'aient précédé dans la création de la musique ambient, Brian Eno joue un rôle majeur dans son développement et sa popularisation, mais est souvent cité à tort comme le créateur du genre. En tant que genre musical, l'ambient se concentre sur l'humeur et l'atmosphère créées par les synthétiseurs et les timbres. Souvent elle ne comporte pas de composition claire et de mélodie structurée. De par son style relativement ouvert, la musique ambient s'inspire de nombreux autres genres, oscillant entre house, dub, musique industrielle et new age.

L'ambient n'atteint pas le succès commercial, car fréquemment considérée comme « ennuyeuse » ou « trop intellectuelle »5. Néanmoins, elle atteint un certain niveau d'attention et d'éloges au fil des années. Elle se popularise d'abord dans les années 1970, puis revit dans les années 1980 grâce au développement des genres house et techno, qui mèneront à un phénomène de mode dans les années 1990.

 Compositeur français du XXe siècle, Erik Satie s'inspire du dadaisme pour créer une certaine forme d'ambient ou musique de fond qu'il qualifie de « musique d'ameublement ». Cela concerne une sorte de musique qui peut être jouée pendant un dîner pour créer une atmosphère relaxante, plutôt que d'attirer l'attention.

Brian Eno est considéré comme l'inventeur du terme de « musique ambient » au milieu des années 1970, décrivant une musique qui, comme il l'explique, peut être « activement écoutée ou ignorée, selon le choix de l'auditeur » Eno, qui ne se considère pas comme un musicien, décrit ses sons expérimentaux comme des « traitements ». Eno utilise le terme d'« ambient » pour décrire une musique créant une atmosphère qui amène l'auditeur dans un état d'esprit différent , qu'il s'inspire du terme latin ambire, « envahir ».

Une note incluse dans l'album Ambient  Music for Airports d'Eno (1978) décrit la philosophie de l'ambient : « la musique ambient doit être capable d'accommoder tous les niveaux d'intérêt sans forcer l'auditeur à écouter ; elle doit être discrète et intéressante. » Eno reconnaît son inspiration auprès de Erik Satie et John Cage. Eno s'inspire également de la musique drone de La Monte Young (qu'il considère comme « notre père à tous ») et de la musique de Miles Davis et Teo Macero, en particulier leur chanson He Loved Him Madly (extraite de l'album Get Up with It).

Hormis Brian Eno, d'autres musiciens et groupes participent directement ou indirectement au développement de l'ambient. Parmi ces musiciens, Wendy Carlos, compositrice de la pièce "Timesteps" utilisée pour la bande originale du film Orange mécanique (A Clockwork Orange) et particulièrement du double-album Sonic Seasonings en 1972.

D'autres artistes significatifs comme Mike Oldfield et Vangelis participent indirectement à l'évolution de l'ambient. Le groupe japonais Yellow Magic Orchestra développe un style distinct d'ambient qui sera par la suite appelé ambient house. À la même époque au Japon, Hiroshi Yoshimura poursuit la volonté initiale d'Erik Satie en composant plusieurs albums pour des lieux spécifiques, comme des musées, des aéroports ou des lignes de métro.

Au début des années 1990, des groupes et musiciens comme The Orb, Aphex Twin, Seefeel, The Irresistible Force, Biosphere de Geir Jenssen, et la Higher Intelligence Agency sont catégorisés par la presse spécialisée d'ambient house, ambient techno, IDM ou simplement « ambient » selon les notes de l'album Ambient Music for Airports de Brian Eno.

La musique planante (space music) ou simplement le planant est une dénomination générale pour des morceaux de musique évoquant des sentiments comme la grandeur cosmique, l'apesanteur contemplative, ou une imagerie de science-fiction hiératique.

La space music, également écrit spacemusic, décrit une musique dérivée de l'ambient et d'autres genres dont les caractéristiques servent à créer une ambiance évoquant l'espace.

On l'associe généralement à certains albums de musique ambient, en particulier des musiques électroniques des années 1970 (comme Tangerine Dream, Klaus Schulze, ou les deux premiers album de Jean-Michel Jarre) mais le style a un renouveau depuis le milieu des années 1990 en tant que tel ou que chill-out.

Le terme remonte au tout début des années 1970 et recoupe en partie plusieurs genres musicaux, sans les inclure ni en être un sous-genre. Il est généralement utilisé pour qualifier certains albums de musique électronique (principalement l'ambient et certains dérivés comme le chill-out) et la musique new age.

Le terme anglais est Space Music (musique spatiale ou musique de l'espace), et le terme allemand Kosmische Musik (musique cosmique ou musique du cosmos) historiquement lié au Krautrock. Il est souvent décliné en space rock pour désigner certains albums plus rythmiques comme les premiers Tangerine Dream ou certains albums de Jean-Michel Jarre ou de Pink Floyd. 

Le terme et le style ont surtout été utilisés pendant les années 1970 avec les débuts de la musique synthétique, les premiers morceaux longs du rock progressif et du rock germanique, la plupart des représentants du style sont d'ailleurs des anciens de Tangerine Dream (Schulze, Baumann, Franke) ou sous son influence. Cette musique est souvent considérée comme un sous genre du rock progressif.

Un renouveau a eu lieu depuis le milieu des années 1990 avec les retours périodique de Klaus Schulze et épisodique de Tangerine Dream à ce style, marqué dans le grand public par la musique de Babylon, de fait, la musique planante a souvent été réutilisée comme bande-son associée à la science-fiction ou au futur (l'émission TV des années 1980 « L'avenir du futur » utilisait ainsi Rubycon de Tangerine Dream comme générique), et en retour elle a souvent intégré des caractéristiques de musique de film.

Une nouvelle vague d'artistes, apparus à l'orée des années 2010 fait renaître le genre (Space Megalithe, Hollan Holmes, Stellardrone).